Une exposition synesthésique de peinture et de musique
Cette exposition est une invitation à franchir les frontières des sens. Ici, la musique se touche, la couleur s’écoute. Chaque toile est un écho vibrant d’une œuvre musicale, une réponse instinctive née de l’écoute profonde et de l’émotion.
Dans l’atelier, la musique résonne.
Les mains perçoivent des bulles, les spatules semblent crier.
L’inspiration surgit : la peintre, avec une main fébrile et l’imagination en liberté, mélange les couleurs, prépare la toile.
Chaque œuvre de cette série est née d’une immersion totale dans une pièce musicale. Certaines m’accompagnent depuis toujours, d’autres m’ont bouleversée, rappelé des souvenirs, des moments gravés dans mon âme. Elles portent toutes une charge émotionnelle et nostalgique.
Pendant le processus de création, j’écoute la musique en boucle, laissant le rythme guider mon geste, les vibrations se déposer en couleur, texture et forme. Ce sont des œuvres picturales intimement liées aux œuvres sonores qui les inspirent.
Rhapsodie en teintes profondes propose une expérience synesthésique : voir la musique, entendre la peinture. Un voyage sensoriel où les limites entre l’ouïe et la vue se dissolvent pour laisser place à une immersion intuitive, poétique, enveloppante.
À travers ces peintures, le son trouve une nouvelle corporalité. La toile devient espace de résonance émotionnelle. La musique, pour moi, est source d’inspiration, de souvenirs, d’images et de connexions. Elle est souffle, lumière, refuge. C’est ce que je cherche à transmettre à travers ces œuvres — un miroir de l’âme.
Le spectateur est invité à explorer cette rencontre entre sons et images, dans un dialogue silencieux où la sensibilité guide la perception.
Claire de lune Acrylique / toile 70 x 50 cm 2025
In the mood for love Acrylique / Toile 80 x 60 cm 2025
Echo. Acrylique /toile. 50x 40 cm. 2025
Pas de deux (the nutcracker) Acrylique / toile 50 x 40 cm 2025
Gymnopédies No 1 Acrylique / toile 100 x 70 cm 2025
Alone in Kyoto Acrylique / toile 40 x 80 cm 2025
Fée Acrylique / toile 30 x 40 cm 2025
Happines does not wait Acrylique / toile 50 x 40 cm 2025
Mychkine Acrylique / toile 50 x 40 cm 2025
6th Station Acrylique / toile 50 x 70 cm 2025
Nocturne Acrylique / toile 50 x 40 cm 2025
Libertango Acrylique / toile 90 x 40 cm Triptyque 2025
Valse sentimentale Acrylique / toile 50 x 40 cm 2025
Meditango. Acrylique / Toile 40 x 120 cm 2025
I see the sky Acrylique / toile 50 x 70 cm 2025
Suite for solo cello Technique mixte / toile 130 x 100 cm 2019
Esperanza Huile / toile 120 x 100 cm 2019
My funny Valentine Huile / toile 80 x 130 cm 2019
Cumbia espacial Acrylique / toile 50 x 40 cm 2025
Interstellar Acrylique /toile 50 x 50 cm 2025
Adagio for strings Acrylique/toile 80 x 60 cm 2025
Esprit, Éther, Quintessence, en latin « quintus elementum » ou « akasha » est une sorte de super-élément : la force qui lie les autres éléments, voire une semi-déesse, ou, pour le voir scientifiquement, une sorte de trou noir qui irradie énergie/matière tout en en absorbant. L’esprit est le cinquième élément, le composant liant qui traverse toute matière, et il représente également l’inconscient collectif des formes de vie. Dans l’éther se niche la mémoire symbolique qui se reflète dans les quatre autres éléments.
Le mot Akasha lui-même vient du persan/de l’Inde orientale et signifie « espace intérieur ». Il existe ce que l’on appelle les « Registres Akashiques », un champ éthéré de connaissance collective accessible à ceux qui se préparent ou qui possèdent la capacité naturelle de le faire.
Les éléments naissent de l’Esprit, source immuable de toute énergie. C’est le royaume des possibilités : des promesses, des chemins encore inexplorés, des galaxies encore non formées, de l’espace. L’Ether est aussi présent dans notre corps. Certains disent que l’étincelle de la vie, cette force méconnue appelée âme, est une portion d’énergie akashique logée dans le corps physique.
L’éther est le non-être, une énergie qui s’étend dans tout l’univers, n’ayant pas encore pris forme ni substance. Il est la source primaire d’énergie qui crée et nourrit les éléments. Par conséquent, il contient une énergie complète et équilibrée – celle de la terre, de l’air, du feu et de l’eau.
Les valeurs symboliques fondamentales de l’élément Éther en magie incluent la transmutation, les processus alchimiques, l’intervention divine, la nature éternelle et l’énergie en mouvement. Les êtres et forces éthériques existent dans un espace différent de celui de l’humanité, et il nous est souvent difficile de comprendre leurs objectifs et motivations, y compris le Divin. Le plan terrestre nous limite quelque peu, car nous n’avons pas encore transcendé le besoin d’incarner. Cependant, il arrive que nous puissions aller plus loin et toucher quelque chose de plus grand que nous-mêmes. Voilà ce qu’est l’Esprit, l’éther.
Bien que les quatre éléments traditionnels occupent une place permanente dans la Roue de la Vie, l’Esprit est l’élément de surprise. Il apporte dynamisme, étincelles et un niveau de conscience différent. Les travailleurs de la lumière affirment que l’Esprit agit comme un pont entre la terre/corps et le ciel/esprit. Dans notre propre corps, il sert de canal entre notre âme et notre être physique. Certaines théories avancent même que Dieu aurait utilisé cet élément comme essence créatrice à tous les niveaux. Les sources traditionnelles occidentales reconnaissent également un cinquième élément, l’Esprit, qui décrit très simplement l’âme ou l’être spirituel d’une personne. Séparé des quatre autres éléments et non représenté dans l’horoscope, il est souvent négligé. Il nous mène au-delà de l’enseignement des quatre éléments et de leur application en astrologie, évoquant la liberté humaine et nous rappelant le grand mystère de l’éternel.
L’éther est un pont entre le physique et le spirituel. Dans les modèles cosmologiques, l’esprit est le matériau temporaire reliant les royaumes physique et céleste. Dans le microcosme, il est le lien entre le corps et l’âme.
Après avoir voyagé à travers l’Air, le Feu, l’Eau et la Terre – qui représentent l’unité dans la Roue de la Vie – le noyau de toute vie, renfermant chaque élément, se trouve au centre : l’Éther. Tous les aspects de chaque élément contiennent l’esprit qui représente l’âme de l’humanité.
Phénix Acrylique / Toile 80 x 60 cm 2025
Dragón Acrylique / Toile 80 x 60 cm 2025
Pégase Acrylique / Toile 80 x 60 cm 2025
kitsune renard à 9 queues Acrylique / Toile 80 x 60 cm 2025
Manuela Calleguerrero aborde l’action créatrice en invoquant les animaux, compagnons de route et protecteurs, comme des totems. Le concept d’animal totem est largement répandu dans la plupart des cultures à travers le monde. Cela s’explique par le fait que nos ancêtres les plus lointains nourrissaient des liens étroits avec les animaux, les amenant à éprouver un profond respect pour ces êtres. Ils se sont toutefois rendu compte d’une chose : chaque animal arborait des différences non seulement physiques, mais aussi spirituelles. Chez les peuples natifs de l’Amérique ancestrale, on considère que lorsqu’une espèce évolue, tout ce qu’elle a appris et acquis reste dans l’univers sous forme d’énergie et de mémoire. Ainsi, selon les chamanes, on peut invoquer à volonté un animal totem pour se nourrir de ses qualités et nous aider à affronter certaines situations de la vie. En plus d’invoquer l’énergie animale, nous pouvons aussi la recevoir de manière innée. En d’autres termes, les animaux totems peuvent aussi nous choisir. Dans ce voyage pictural à travers le règne animal, les figures émergent de fonds abstraits, pour révéler dans le chaos les êtres qui surgissent d’atmosphères, d’ombres et de couleurs, que le couteau à palette en mouvement fait vivre. Ils émergent sans avoir été préconçus, il n’y a pas d’idée initiale, ni d’image, ils naissent du mélange des formes et de la matière, ils prennent forme par eux-mêmes, de l’arrière-plan abstrait naissent les animaux figuratifs. Les totems qui sont venus composer cette collection se sont annoncés avec des sensations, des évocations et des souvenirs. Chacun a un sens et une signification qui, comme les symboles, reflètent une réalité particulière à chaque personne qui les regarde et les ressent attentivement. Bienvenue dans l’univers animalier des totems personnels. Trouvez celui qui résonne en vous ou s’accorde à votre être.
Le Cerf / Le rêve du cerf Intuition amour annonce la bonne aventure gardien de toute chose aimée acrylique/toile 90 x 70 cm 2023Le Chat/ Copsidu maîtrise flexibilité connecté à l’au-delà protecteur des amours acrylique/toile 24 x 30 cm 2023La Carpe / Argenté sous la lune. Prospérité, abondance alchimie quotidienne lueur d’espoir acrylique/toile 92 x 73 cm 2023Le Tapir / La Danta résistance longévité immuable dans le temps nomade cosmique acrylique/toile 60 x 80 cm 2023Le Cóndor / Inti liberté sagesse guide spirituel messager cosmique Acrylique/toile 73 x 100 cm 2023L’Éléphant / Le petit éléphant Mémoire confiance le moi collectif clanique transcende l’infortune. Acrylique/toile 92 x 72 cm 2023Le Singe/ La vie en rose intelligence ludique essence joueuse communicateur perçant. Acrylique/toile 100 x 65 cm 2023Le Taureau / Tauro force stabilité résilient du plus loin de la mémoire protecteur de la fécondité. Acrylique/toile 92 x 65 cm 2023La Colombe / Cher ami Messagère maternité héroïne spirituelle les ailes de l’âme. Acrylique/toile 90 x 70 cm 2023Maman et fils L’Éléphant mémoire confiance le moi collectif clanique transcende l’infortune Acrylique/toile 100 x 90 cm 2023Le petit éléphant Acrylique/toile 24 x 30 cm 2023Le Tapir /La Danta Acrylique/toile 24 x 30 cm 2023Le taureu/ la vache Acrylique/toile 24 x 30 cm 2023La colombe/ Cher ami Acrylique/toile 24 x 30 cm 2023Le bebe Singe aacrylique/toile 24 x 30 cm 2023Le chat / Peter Acrylique/toile 24 x 30 cm 2023La Carpe Acrylique/toile 24 x 30 cm 2023Le petit cerf acrylique/toile 24 x 30 cm 2023Le Condor Acrylique/toile 24 x 30 cm 2023
La métamorphose est une transformation ou un changement de forme. Étymologiquement, elle vient du latin metamorphōsis, lui-même issu du grec metamórphōsis. Ce mot est formé de meta- (au-delà, après), morph- (forme, structure) et -osis (utilisé pour former des noms indiquant des actions, conditions ou états).
La métamorphose spirituelle fait référence à un changement profond de notre cœur, notre esprit et notre comportement. C’est un processus de transformation intérieure qui nous rapproche du divin ou de nous-mêmes, nous permettant de vivre une vie plus pleine et plus significative.
Depuis mon arrivée en France en fin d’année 2019, j’ai vécu une métamorphose totale. Non seulement j’ai changé de continent, mais aussi de pays, de langue — que j’ai dû apprendre — et d’amitiés que j’ai dû nouer. Toute cette métamorphose m’a emmenée dans un voyage à travers des territoires inconnus de moi-même. C’est pourquoi, en peignant des totems, je me sens proche du serpent qui change de peau. Je ne suis plus la chenille, je déploie mes ailes pour devenir papillon. Me retrouver ici, dans un autre monde, me fait transmuter depuis les profondeurs de mon être.
Je peins des totems depuis un an, et bien que cette exposition n’en présente que 14, il y en a déjà 53, chacun avec sa symbolique, son message et sa sagesse. Les totems m’ont fait vivre une métamorphose spirituelle et créative. Je les vois comme un ensemble de cartes d’oracle, et ce sera mon prochain projet. Ce processus métamorphique avec les totems m’a conduite à découvrir mon propre oracle des totems.
Ces 14 totems ont été sélectionnés car ils représentent des animaux à métamorphose extrême. Depuis que j’ai commencé à peindre ces animaux, je me suis connectée à un monde immense de symbolisme, physique et spirituel, qui me relie nécessairement à mon propre monde spirituel. Il me relie aussi à mes ancêtres chamans, qui connaissaient et respectaient les animaux, et entretenaient avec eux une relation à la fois magique et surtout spirituelle.
Triton enchantée Invisible et présent Tout est possible adaptable et insaisissable. Acrylique / Toile 40 x 120 cm 2024 Ailes lumineuses Force dans la légèreté Beauté dans la persévérance Joie de profiter Messagères de la bonne fortune. Acrylique / Toile 50 x 60 cm 2024 Air doré Libellule blanche Précision et transparence Présence de subtile Puissance. Acrylique / Toile 50 x 60 cm 2024 Joyeux pèlerin Voyageur des ténèbres Action permanente. Acrylique / Toile 120 x 40 cm 2024Méduse dorée Douceur féminine Légèreté dans la marche Sérénité pour exister La trilogie des méduses. Acrylique / Toile 120 x 40 cm 2024 Errante de l’eau Douceur féminine Légèreté dans la marche Sérénité pour exister La trilogie des méduses. Acrylique / Toile 120 x 40 cm 2024
Serpent curieux Regard perçant Esprit révélé Le jeu renouvelé Acrylique / Toile 30 x 40 cm 2024 Le homard ami Fraîcheur pour la vie Curiosité créatrice Amitié éternelle. Acrylique / Toile 60 x 80 cm 2024 Les trois rieuses Étoiles des eaux Miroirs du ciel Joie pour le chemin Plaisir partagé. Acrylique / Toile 70 x 50 cm 2024 Étoile de l’aube Prospérité protégée Alliances créatrices Destins variés. Acrylique / Toile 80 x 60 cm 2024 Serpent bleu Imagination active Elle progresse silencieusement Communique l’occulte. Acrylique / Toile 80 x 60 cm 2024 Méduse à sonnettes Repos serein et réfléchi Observe avec prudence Amitié honorée. Acrylique / Toile 70 x 50 cm 2024
Depuis que j’ai découvert que peindre les animaux était me connecter avec leur essence primordiale, je les ai vus d’un autre œil. J’ai trouvé une connexion profonde avec eux que je n’avais jamais ressentie avec les personnes, les paysages ou tout ce que j’avais peint auparavant.
Je me suis connectée à eux à travers leur symbolisme et j’ai découvert non seulement le monde animal que nous connaissons tous, mais aussi leurs capacités de guérison, de protection et de magie, désormais cachées, qui ont été vénérées dans presque toutes les cultures ancestrales de la planète.
J’ai aussi réalisé que grâce à la peinture, je pouvais faire en sorte que les gens voient les animaux sous un autre angle. Je les appelle Totems, qui sont pour les cultures amérindiennes des gardiens et des protecteurs.
Pour cette exposition, j’ai compilé les totems sur lesquels j’ai travaillé pendant toute l’année écoulée. Ce fut un voyage réfléchi qui m’a amenée à utiliser et à découvrir de nouvelles techniques, et à redécouvrir l’esprit animal. Les derniers totems que j’ai peints représentent des animaux qui interagissent avec d’autres espèces et nous enseignent l’empathie, des animaux qui prennent soin les uns des autres. C’est pourquoi je les ai appelés frères.
Cette série, avec des possibilités infinies, évoque l’animal empathique et magique que nous portons tous en nous.
L’empathie Acrylique / toile 50 x 70 cm 2024Sœur ours et frère loup Acrylique / toile 70 x 100 cm 2024Cuddle/ arruche Acrylique / toile 70 x 50 cm 2024Frères/ hermanos Acrylique / toile 50 x 40 cm 2024La petite renarde Acrylique / toile 70 x 100 cm 2024La princesse et la grenouille Acrylique / toile 70 x 50 cm 2024
Grenouille
Convoque le bien-être dans une longue vie. Agilité pour faire face à la diversité. Santé Transmutation Surprise Renouvellement Saut et désarmement
La famille Acrylique / toile 70 x 100 cm 2024
Penguin
Instinct et sens collectif de la vie. Troupeau Mobilité Polyvalence Résistance Résilience Sécurité
sœur chienne frère hibou / hermana perra, hermano búho Acrylique / toile 70 x 50 cm 2024
Chien
Amitié fluide, compagnon inséparable et avertisseur de danger. Loyauté Amour Compagnonnage Protection Sécurité Soutien Confiance
Cette série est née d’une quête autour des techniques et des supports. Depuis un certain temps, je travaille sur des totems animaliers, et j’ai envie d’explorer non seulement la peinture, mais aussi d’autres moyens d’expression pour évoquer ces animaux symboliques. Ils m’inspirent un besoin de me rapprocher d’eux, accompagné d’un amour et d’un respect profonds. Depuis l’enfance, je couds, je brode, je peins. Me sentir brodeuse, comme une araignée tissant sa toile, me relie à une spiritualité si profonde que cela devient une méditation. Je me connecte au fil, et parfois, comme Pénélope, je couds et découds jusqu’à atteindre l’équilibre parfait. Ces petites créatures magnifiques – souvent des oiseaux, parfois des reproductions d’œuvres déjà peintes, ou encore des esquisses légères réalisées à l’acrylique – prennent toute leur force et leur éclat grâce à la broderie. J’aime profondément mêler la peinture et la broderie, deux techniques qui me passionnent et que je pratique avec plaisir et amour.
Le Cerf / Le rêve du cerf Impression et broderie/papier 21 x 29,7 cm 2024 Ailes lumineuses Impression et broderie/papier 21 x 29,7 cm 2024Frères Impression et broderie/papier 21 x 29,7 cm 2024L’empathie Impression et broderie/papier 21 x 29,7 cm 2024Air doré Impression et broderie/ papier 21 x 29,7 cm 2024Sœur ourse et frère loup Impression et broderie/papier 21 x 29,7 cm 2024
L’ours Force animale protectrice. Manifeste la mémoire mammalienne à partir des racines. Sagesse intérieure. Énergie sensorielle. Récurrence. Stratège. Abri de l’âme. Sécurité. Suggère le plaisir de la solitude.
Le petit éléphant Impression et broderie/papier 21 x 29,7 cm 2024Le petite renard Impression et broderie/papier 21 x 29,7 cm 2024
Renard Constance dans le suivi de la trace, de la ligne. Conscience de l’instant. Astuce Le but Stratégie Certitude
La famille Impression et broderie/papier 21 x 29,7 cm 2024
Penguin Instinct et sens collectif de la vie. Troupeau Mobilité Polyvalence Résistance Résilience Sécurité
La tortue Broderie/toile 21 x 21 cm 2024
Tortue
Fluidité. Lente sur terre. Vitesse aquatique. Yin et yang. Protection. Stratège et sûr de lui. Suggère la patience. Appelle à la sérénité et à la sagesse
L’aigle Broderie/toile 21 x 21 cm 2024
Aigle
La férocité de la beauté. L’acuité du regard. Protection par la force masculine. Objectif défini. Conscience du vol. Liberté
L’ours Broderie/toile 21 x 21 cm 2024Le rêve du Cerf Broderie/ toile 40 x 40 cm 2024L’abeille Broderie/toile 21 x 21 cm 2024
Abeille Rapidité. Action et communauté. Communication. Force subtile. Solidarité. Douceur et férocité. La vivacité d’esprit. Semeur de vie. Bâtisseur. Moi collectif. Bien-être. Bonne fortune.
Tangara dorée 24 x 32 cm Acrylique et broderie/papier 2024
Tanager doré
Subtilité. Délicatesse. Légèreté. Liberté des sens dans leur splendeur. Le tout possible. Expression illimitée de la création. Défaire les nœuds.
Rouge-gorge rose Pink robin 24 x 32 cm acrylique et broderie/papier 2024
Rouge-gorge rose Pink robin
Loving arropo. Chaleur et espièglerie. Regard curieux. Gaieté amusante. Légèreté. Plaisir de la beauté. Éveil de la mémoire sensorielle
Le taureau 24 x 32 cm Acrylique et broderie/papier 2024Le petit éléphant 24 x 32 cm Acrylique et broderie/papier 2024Le chat 24 x 32 cm Acrylique et broderie/papier 2024Le toucan 24 x 32 cm Acrylique et broderie/papier 2024
Toucan
Je le suis. Présence énergique. Souligne par le regard. Suggère une communication fluide. Force soutenue, renforcée. Chaman. Mémoire ancestrale
Diamant mandarin 24 x 32 cm Acrylique et broderie/papier 2024
Diamant rouge bengali/mandarin
Le précieux. La subtilité. Simplicité. La joie. Bien-être. Bonheur. Transmet aux sens l’exquisité de la vie.
Mon objectif dans cette exposition est de remplacer la machine et de laisser l’aura de l’œuvre qui, bien que répétée, en étant peinte par moi, devient unique et irremplaçable.
Cette série, inspirée par certains concepts du Pop Art, tels que la théorie des couleurs et la recherche des contrastes, ainsi que la répétition de l’objet, est néanmoins une réflexion sur l’absence d’aura de l’œuvre dans la reproduction excessive contemporaine. Je transforme l’idée de cet objet en un modèle aux possibilités infinies.
Dans les arts plastiques, l’étude de la forme à travers l’analyse de l’objet en soi a été l’une des bases les plus importantes de l’apprentissage. Je reprends cette approche en répétant la même image plusieurs fois, en citant le Pop Art pour son utilisation des couleurs, la répétition et, surtout, la sélection d’images communes ou populaires.
Le Pop Art est un mouvement artistique qui a émergé au milieu des années 1950 au Royaume-Uni et à la fin de cette même décennie aux États-Unis. Ce mouvement se caractérise par l’utilisation d’images et de thèmes tirés de la culture populaire et de masse, tels que la publicité, la bande dessinée, les produits de consommation et les médias. Les artistes employaient souvent des techniques de reproduction en série et des éléments graphiques accrocheurs, utilisant des couleurs vives et des contrastes forts. Le Pop Art remettait en question la distinction entre l’art « élevé » et la culture « basse », en célébrant les éléments de la vie quotidienne et de la société de consommation, en incorporant des images iconiques et des techniques de reproduction mécanique, telles que la sérigraphie et l’impression à grande échelle, à travers l’utilisation de leurs propres langages et symboles visuels.
Walter Benjamin a réfléchi sur les effets de la reproduction massive dans l’art et a introduit le concept d’« AURA », se référant à la singularité et à l’authenticité d’une œuvre d’art, qui est intimement liée à son existence dans un lieu et un temps spécifiques. Cette qualité unique et irremplaçable se perd lorsqu’elle est reproduite indéfiniment, ce qui, selon Benjamin, diminue sa valeur unique et son authenticité. Cette capacité de reproduction altère la relation entre l’œuvre et le spectateur, en éliminant sa singularité.
La reproduction technique permet aux œuvres d’art d’être accessibles à un public plus large et plus diversifié, transformant l’expérience esthétique et démocratisant l’accès à l’art. Cependant, elle conduit également à une standardisation et à une possible banalisation de l’expérience artistique.
En résumé, Walter Benjamin voyait la reproduction technique comme un phénomène qui transformait radicalement tant la nature que la fonction de l’art, le faisant passer d’une sphère d’authenticité et de rituel à un domaine d’accessibilité massive, commerciale et d’utilisation politique.
Dans ce contexte, j’invite le public à réfléchir sur l’aura des œuvres à une époque de massification. J’agis comme une machine humaine, mais sans perdre l’aura de l’œuvre, en peignant cette série qui, emprunte des éléments du Pop Art, mais ne se limite pas à être du Pop Art. De cette manière, je joue avec deux concepts qui, bien que distants dans leur signification conceptuelle, s’entrelacent dans mon œuvre.
Ce sont des coccinelles . Polyptyque Acrylique/toile . 100 x140 cm. 2024Coccinelle orange et pourpre . 50 x 70 cm.. Coccinelle bleue et vert. 50 x 70 cm.. Coccinelle vert et bleu 50 x 70 cm. Coccinelle jaune et mauve . 50 x 70 cm.Ce sont des fraises. polyptyque 100 x 80 cm 2025Ceci est une fraise 50 x 40 cm Cœur d’or 50 x 40 cmvert que Je t’aime vert 50 x 40 cm Doré avec rose 50 x 40 cmCeci le combi hippie Polyptyque Acrylique /toile 80 x 100 cm 2024 Hippie jaune 40 x 50 cmHippie violet 40 x 50 cmHippie bleu 40 x 50 cmHippie Rose 40 x 50 cmCeux-ci, ce sont des avocats. polyptyque. Acrylique/toile. 100 x 80 cm. 2024.C’est un avocat orange, 50 x 40 cm.C’est un avocat vert, 50 x 40 cm. C’est un avocat rose, 50 x 40 cm.C’est un avocat bleu, 50 x 40 cm.Ce sont des vespas Triptyque Acrylique/toile 70 x 150cm 2024C’est une vespa bleue. 70 x 50 cm C’est une vespa rose 70 x 50 cmC’est une vespa verte 70 x 50 cmCe sont les petits vespas polyptyque Acrylique /toile 80 x 120 cm 2024 Orange et bleu 40 x 60 cm Jaune et rose 40 x 60 cm L’or et le cuivre 40 x 60 cm Violet et vert 40 x 60 cmCe sont les pastèque Triptyque Acrylique/toile 50 x 210 cm 2024C’est la pastèque verte métallisée Acrylique/toileC’est la pastèque argentée 50 x 70 cmc’est la pastèque dorée 50 x 70 cmCe sont des vélos Acrylique/toile 140 x 100 cm 2024 vélo vert et violet 70 x 50 cmvélo rouge et vert 70 x 50 cmvélo rouge et rose 70 x 50cmvélo violet et orange 70 c 50 cm
Dislocation des sens Entendit l’odeur du commencement. Vit la saveur du délice. Toucha le son du goût. Savoura l’image du plaisir. Sentit les formes et les textures. L’érotique, c’est la peau humaine dotée d’une mémoire esthétique, un sens de la vie. C’est pourquoi elle disloque les sens pour permettre à son éros de retrouver la place du délice, tel qu’il est reflété dans le miroir de l’univers symbolique. Tous les sens sont en désordre, tissés, enroulés et entremêlés à leur guise dans le délice érotique de la vie : dans le sexe, dans la création, dans la respiration, dans tout ce qui procure du plaisir aux sens, permettant de coder les pensées qui imaginent la promesse du plaisir sublime. J’érotise mon regard en effleurant ta géographie avec la pointe de mes arômes. J’ai senti tes formes avec le goût de tes respirations. J’ai touché ton désir et vu tes hurlements. J’ai imaginé la plage et goûté une goutte de mer. Regardé depuis la diversité multiple qui nous habite, ouvert des fenêtres pour percevoir les mille et une vérités de l’érotique, qui peut être toutes et chacune de ses acceptions. L’érotique m’inclut dans mon moi collectif et divers. Elle représente les multiples expressions ou chacune d’elles : un symbole qui nous relie dans notre humanité sensible.
Les sens, l’imagination et la créativité sont les outils que nous avons, en tant qu’humains, pour évoquer, invoquer et convoquer la mémoire érotique afin de semer le délice dans la vie quotidienne. J’imagine le désir, je crée la forme et le son pour que la mémoire érotique prenne des formes et des manières dans les souvenirs de chacun et chacune. Sensible et en alerte, elle chemine avec l’imagination, tissant ce qui relie, avec la créativité en explosion.
L’amour est une subversion dans un monde où prime l’individualisme. Choisir l’amour devient subversif et relève d’une pensée politique propre aux nouvelles sexualités-une résistance. Reconquérir la tridimensionnalité du corps et du territoire, c’est un acte de résistance contre la violence de la marchandisation de la nature et des corps. La résistance, c’est donc celle du corps et de sa relation avec d’autres corps et avec son environnement : un corps tridimensionnel, un corps senti-pensant. Un corps qui ressent et pense à partir d’une conscience d’unité avec la terre. Décoloniser le corps du patriarcat binaire, du racisme, du classisme, du colonialisme et du capitalisme, autant de couches de violence qui nous traversent en tant que corps-territoires.
C’est pourquoi décoloniser le corps, c’est le guérir. Guérir, c’est résister. Se reconstruire, c’est résister. Et la guérison, comme la résistance, est collective, communautaire.
Sans peur du plaisir, sans culpabilité, en déconstruisant la hiérarchisation du plaisir imposée par la pensée rationnelle, qui associe plaisir, corps, culpabilité et peur. Le baiser comme image iconographique du mouvement LGBTQ+ : un gros plan d’un baiser sans genre, seulement deux corps qui s’embrassent, sans différences raciales, sans croyances religieuses, sans idéologies politiques. Juste deux corps qui s’embrassent.
Claraines Guerrero García / mémoriante – écrivaine María Calle / cinéaste – écrivaine Manuela Calleguerrero / artiste plasticienne
Le Baiser Fuchsia Acrylique/papier 40,5 x 29,5 cm 2022Tu te joins à moi ? Acrylique/toile 64,5 x 99,5 cm 2022Queer Acrylique/toile 64,5 x 92 cm 2022L’amour, c’est ce qui est subversif” Acrylique/toile 72,5 x 91,5 cm 2022Hermaphrodite Acrylique/toile 64,5 x 92 cm 2022Them Acrylique/toile 72,5 x 91,5 cm 2022L’orgasme appartient à celui qui le cultive Acrylique/toile 72,5 x 91,5 cm 2022À fleur de peau Acrylique/toile 72,5 x 91,5 cm 2022Au milieu du néant, le tout Acrylique/toile 64,5 x 92 cm 2022Or et voyeur Acrylique/toile 64,5 x 99,5 cm 2022Petite morsure Acrylique/toile 72,5 x 91,5 cm 2022Baiser partagé Acrylique/toile 72,5 x 99,5 cm 2022Morsure marron Acrylique/papier 40,5 x 29,5 cm 2022Soupir nocturne Acrylique/toile 72,5 x 91,5 cm 2022Le plaisir est le mien. Acrylique/toile 64,05 x 92 cm 2022Cou, menton, lèvre et un peu de rouge, un peu de blanc… Acrylique/papier 40,5 x 29,5 cm 2022Embrasser avec le cœur Acrylique/toile 65 x 90 cm 2022Érotique Acrylique/papier 40,5 x 29,5 cm 2022Baiser partagé Acrylique/toile 72,5 x 99,5 cm 2022Désamour Acrylique/papier 40,5 x 29,5 cm 2022Éros et Thanatos Acrylique/papier 40,5 x 29,5 cm 2022Avec l’aigue-marine et l’amitié Acrylique/papier 40,5 x 29,5 cm 2022
Les lèvres, avant-salles délicieuses, jouent avec la langue sublime, experte en plaisirs des sens.
L’usage de la langue et du rire est, sur cette planète, une caractéristique humaine et, dans une certaine mesure, cela dimensionne l’érotisme dans toute sa promesse.
Les lèvres entrouvertes, préludes du plaisir, sont une image qui habite la mémoire érotique de l’espèce. La bouche est une fenêtre et un haut-parleur, elle dit, elle palpe, elle savoure, elle suggère, elle attire, elle excite. Le baiser n’a pas de genre, il est simplement humain. La fenêtre s’ouvre et la langue hôte accueille son visiteur.
Les baisers transportent et ramènent l’amour, les émotions, les sentiments. Le nombre infini de baisers qui habitent les souvenirs humains, baisers d’amour, de haine, de désir, de contagion, de gratitude, de tendresse et de dévotion. Les baisers simples, les complexes, les sublimes et les désenchantés, tant et tant de baisers qui se rangent dans les souvenirs.
Le bébé embrasse le sein, l’amant embrasse le sein, la nymphe frôle le mamelon. L’adolescente découvre la délice et la vieille rappelle la splendeur. Les lèvres invitent, le désir convoque et la lune invoque l’extase. La bouche n’est exclusive de personne, elle peut être désir, nourriture ou promesse. Embrasser est une action que nous accomplissons tous en raison de notre condition humaine.
Cette série naît de la mémoire — de récits d’enfance, de souvenirs, de nostalgies et de sensations. Certaines expériences ont été vécues, d’autres peut-être pas… ou dans une autre vie. Ce sont des paysages qui n’existent qu’à l’intérieur de l’artiste.
Ils sont le rappel de ce qui a été, ou de ce qui aurait pu être.
… Et tout cela ne peut être séparé du sentiment le plus profond de l’être. Derrière l’émotion, derrière les couleurs, derrière le mouvement, il y a l’énergie — celle qui sous-tend la pensée et la mémoire.
Chaque image transmet l’énergie de ces sensations : une montagne, une rivière, une fleur… chaque mouvement entretient un lien intime avec la nature.
Ensemble, elles œuvrent à raviver le souvenir de ce sentiment : sa sensation, son odeur, sa lumière.
C’est une connexion profonde avec cette énergie en perpétuel mouvement, comme une spirale.
Bateau Huile sur toile 120 x 100 cm 2019Mangrove Huile sur panneau 122 x 122 cm 2019Une autre vie à La Nouvelle-Orléans Huile / toile 80 x 130 cm 2019Naissance Technique mixte / toile 130 x 100 cm 2019Temples Huile / panneau 122 x 122 cm 2019
La série Métamorphose est née d’un appel intérieur : celui de réaffirmer la magie comme une essence naturelle de l’être humain, et de marquer l’empreinte d’un cheminement spirituel.
Je suis arrivée aux oracles — plus précisément aux arcanes du Tarot de Marseille —, guides qui répondent, à travers les symboles, aux questions que l’on porte en soi.
Travailler avec les arcanes du tarot, qui sont des figures archétypales, c’est entrer en dialogue avec la psyché humaine et l’inconscient. C’est faire apparaître ces personnages qui sont toujours là : dans la rue, dans les champs, dans les villes. Des archétypes qui nous rappellent notre humanité, et qui résonnent dans les profondeurs de l’âme, dans les couches invisibles de l’être.
Les arcanes, symboles archétypaux que tous les habitants de la Terre reconnaissent inconsciemment, ne sont pas si faciles à expliquer. La raison les a mis de côté. Les faire remonter à la conscience expose nos manques humains, nos refoulements, nos dénis.
Comme le dit Jung :
« Ce que nous appelons symbole est un terme, un nom ou même une image que l’on peut rencontrer dans la vie quotidienne, mais qui possède des connotations spécifiques au-delà de sa signification évidente. Lorsque l’esprit explore le symbole, il est conduit à des idées qui dépassent la raison. Ainsi, un mot ou une image devient symbolique lorsqu’il représente quelque chose de plus que sa signification immédiate et apparente. »
Pour pouvoir les peindre, je dois synthétiser le symbole. Je travaille la figure de manière très simple, mais toujours compréhensible.
Mon processus créatif commence par l’idée, puis par la recherche de la manière la plus claire de la représenter, afin que l’observateur puisse la recevoir. Car si le symbole n’est pas clair, il ne transmet rien.
Selon María Calle Guerrero, dans sa thèse Comment est-il possible que quelqu’un ait inventé la bombe atomique ? :
« Grâce au langage universel, on traverse les dimensions. Si nous pouvons parler un langage universel, communiquer à travers lui, c’est grâce au grand texte dont nous faisons partie. Ce tissu universel est tissé des légendes personnelles de toutes les choses : une corrélation d’intériorités, pour le dire autrement, qui relie le cœur des êtres humains au cœur des fruits, des choses (et non des objets — notion née d’abord dans l’économie marchande, puis capitaliste), et enfin, au cœur même du cosmos.
La danse personnelle dans le grand mouvement se lit dans les signes, les symboles, les multiples langages, car vivre est un acte constant de lecture.
Le I Ching avec ses huit éléments immuables, uniques dans leur diversité multiple.
Les feux d’artifice — flammes fugitives créatrices de galaxies ou de mandalas, d’atomes, d’explosions et de Big Bang.
Les matriochkas, les échecs, les Mille et Une Nuits, le ruban de Moebius, Don Quichotte, le sac à dos, la tapisserie, le kaléidoscope, le système solaire, les chiffres et les équations, l’alphabet, la maison (et bien d’autres exemples encore), sont tous des représentations de l’univers et de son mouvement perpétuel de relation et de mutation — créés, rêvés, hypothétiquement pensés et racontés par l’être humain, qui naît avec deux mémoires à la fois distinctes et entremêlées : la mémoire génétique et la mémoire collective.
La mémoire génétique nous relie au cosmos — car, au fond, nous sommes tous poussière d’étoiles, comme le disaient les mages de l’Antiquité… et comme le disent aujourd’hui les physiciens théoriciens. La mémoire collective, elle, nous ancre dans notre condition d’espèce humaine de la planète Terre. »
Cette série conçoit les archétypes qui habitent l’inconscient comme des figures de la mémoire, où les absences et les présences coexistent dans l’instant présent.
Ces compositions picturales rendent visible l’invisible, car nous reconnaissons dans les archétypes des êtres que nous connaissons — ils sont des miroirs de nous-mêmes. Ils nous renvoient à l’inconscient, à ce Moi collectif dont parlait Borges, cet espace que nous partageons avec tous les habitants de la Terre.
La Justice, l’équilibre Technique mixte / toile 120 x 100 cm 2014L’Hermite Huile / toile 130 x 100 cm 2016Le Monde, la danse mystique Technique mixte / toile 120 x 100 cm 2014Le Pendu, réflexion et transformation Acrylique / toile 100 x 130 cm 2014Vagamonde avec chien Technique mixte / toile 120 x 100 cm 2014La Force Technique mixte / toile 120 x 100 cm 2014Le Fou Technique mixte / toile 130 x 100 cm 2014La Tempérance, l’Ange gardien Acrylique / toile 120 x 100 cm 2014La Mort Acrylique / toile 120 x 100 cm 2014
Quand je peins un portrait, je plonge dans la personne. Elle m’offre tout ce dont j’ai besoin pour raconter.
Le gros plan crée une connexion, une forme d’enveloppement, comme une couverture d’intimité. En isolant le visage de son corps et du contexte qui l’entoure, il devient un symbole, un grand paysage fait de couches, de profondeur et de détails.
Chaque fragment du visage est un tableau immense, chargé d’informations — non seulement plastiques, mais aussi narratives.
Je peins des portraits depuis plusieurs années, sans les penser en série. Même quand je travaille sur d’autres sujets, je reviens toujours aux visages.
Cet univers me fascine : parvenir au geste, à ce trait unique qui identifie, comme une empreinte digitale, contenant l’essence du personnage — tout est là, tout peut s’y dire.
Cette série, réalisée entre 2015 et 2016, n’est pas née d’une intention initiale. Ce sont des portraits venus peu à peu, goutte à goutte, et qui ont fini par former un ensemble avec une voix propre, un langage commun.
Chaque figure porte une attitude qui les relie : un regard frontal, presque défiant. Car regarder droit dans les yeux, c’est un acte de confrontation.
Ils dégagent une aura de mystère, entre mondes fantasmagoriques et nostalgie flottante.
Quand un personnage vous regarde depuis la toile, un lien se crée. Une ligne invisible de sentiments s’établit, les émotions circulent librement. Cet instant sincère mène à la compréhension de ce grand paysage qu’est le visage, de ce symbole, et donne toute sa dimension à celui ou celle qui est peint·e.
Le regard dit tout. Il révèle une humeur, une époque de la vie, il transmet des états d’âme.
Regarder dans les yeux, c’est voir qui est l’autre. Son expression, son geste, racontent une vie.
Un portrait parle. Il décrit une personne, son caractère, ses traits, sa présence.
Mais la sensation, l’émotion, le plaisir que l’on reçoit face à un portrait varient d’un regard à l’autre. Même ce que le peintre a voulu transmettre ne sera jamais perçu de manière identique.
Car même dans une œuvre figurative, l’interprétation du spectateur porte déjà sa propre histoire.
Maria et moi Huile / panneau 40 x 70 cm 2016Autoportrait en vert huile / toile 80 cm x 70 cm 2016Gaïa Acrylique / panneau 120 x 120 cm 2014Paula y Pablo Huile / toile 50 x 50 cm 2016Avec ce petit peu de bleu sur le front Huile / toile 80 x 80 cm 2016Marie et le but Huile / panneau 40 x 30 cm 2015Katy Huile / panneau 50 x 40 cm 2015Juan y Adri óleo/tabla 50 x 40 cm 2016Les cousins Huile / toile 70 x 90 cm 2015sLe partenaire Huile / panneau 50 x 40 cm 2015Les cousins et la moustache Huile / toile 60 x 90 cm 2015Le favori Huile / panneau 50 x 40 cm 2015David Huile / panneau 50 x 40 cm 2015Autoportrait en roses Huile / panneau 50 x 40 cm 2015Papá Huile / toile 40 x 60 cm 2019
Qui ne réside qu’un temps, de manière transitoire, en un lieu.
Parler des transeuntes, c’est évoquer deux mouvements qui se répètent et se replient sur eux-mêmes : la mort et le Fou — figure qui accomplit le parcours vital.
Parler de la mort, c’est parler de mouvement, de passage, d’inévitable, d’impermanence, de purification. C’est la vision en rayons X du fou.
Nous percevons la mort parce que nous sommes des passants.
Nous marchons dans les pas d’autres passants, dans la trace d’un autre fini. Et pourtant, nous nous comportons comme des êtres infinis, jusqu’à croire en la fiction du réel. Le concept de « transeúnte » est intimement lié au lieu d’énonciation.
Certain·es perçoivent les transeuntes comme une masse anonyme, des corps de travail, silhouettes en transit dans des villes en développement, définies comme des existences dépourvues de sujet. Leur seule fonction sociale : produire. Cette vision rend invisible et périphérique — par accumulation ou par exclusion — celui ou celle qui ne fait que passer en ville.
Mais il y a d’autres voix. Celles qui s’énoncent depuis le point de vue du transeúnte qui chemine, du fou, du flâneur, du marcheur, qui, par son regard voyeur, saisit le poétique.
Le sujet n’est plus un être stable. Il se construit dans ses passages, dans les croisements où d’autres trajectoires le traversent.
Transeúntes se situe précisément là — dans un autre cadrage de la réalité, où tous les mondes peuvent coexister. Des êtres humains éphémères, comme nous le sommes toutes et tous, dotés d’un corps, d’un regard singulier, d’une logique propre, de chemins, de fantômes, et de manières de marcher.
Ce que la peintre nous propose dans cette série, c’est justement cela : une rencontre poétique, la multiplicité née de la combinaison de trajets et de mémoires, de celles et ceux qui résident transitoirement sur cette terre.
Comme des couches d’histoires entremêlées, repliées encore et encore, elle parle de ces êtres mouvants, de l’élan, de l’action, de la lumière, de la rencontre et du cadrage.
La transhumance — si caractéristique chez Calleguerrero — a fait d’elle une étrangère perpétuelle, toujours en passage.
Elle parcourt / photographie / projette / peint des êtres humains, des corps, raconte des histoires, documente des villes.
Cette fois, tout part d’un travelling réalisé à Lima, où elle capture 900 images par seconde, pour recueillir les pas des absents, des présents, d’elle-même.
Elle photographie son trajet quotidien entre sa maison et son atelier, pendant un an — durée de son séjour à Lima.
Un nouveau lieu, où les souvenirs se construisent dans le déplacement. Des personnes qui ignorent qu’elles sont photographiées. Une vision de la ville en mouvement.
Comme dans son travail sur le portrait et la figure humaine, qui constitue l’axe de la plupart de ses œuvres — qu’elles soient figuratives ou abstraites, dessinées ou peintes —, la photographie et la projection font partie intégrante de son processus créatif.
Dans cette série, Transeúntes, c’est la première fois que l’artiste dévoile la structure même de son processus, à travers l’installation « En attendant le vert », où le mapping lui permet de faire émerger son travail en superposant l’image à l’image, la représentation à la représentation.
Chaque pièce contient l’action, les photogrammes, la mémoire, la présence des anonymes dans lesquels Calleguerrero se reflète.
La peintre accomplit ce parcours comme le fou traverse les archétypes qui nous relient en tant qu’espèce.
Elle ne sépare pas, elle cherche la résonance. Elle subjectivise son chemin et se reconnaît dans la multitude.
María Calle
Commissaire d’exposition
En attendant le vert (noir et blanc) Acrylique sur toile 100 x 120 cm 2013(más…)
Trajectoire erratique est un terme qui désigne la trace laissée par un corps en mouvement non contrôlé. C’est l’expression la plus utilisée pour décrire le parcours d’un ouragan : l’infinité de phénomènes qui conspirent pour le former, et la manière dont il se déplace sans destination prédéterminée, mû par des éléments inattendus, souvent impondérables, qu’il rencontre sur un chemin qu’il ne contrôle pas, mais qui le conduit inexorablement vers le nord. Erratique, car son destin est ambigu. Erratique, car son parcours est dicté par des forces extérieures, saturé de hasard.
On parle aussi de trajectoire erratique pour décrire l’évolution d’un joueur sur un terrain. Bien qu’il ait un objectif clair, il n’a jamais de position fixe : il se déplace en improvisant des destinations provisoires, réagit à l’imprévisible — ses mouvements deviennent imprévisibles pour lui-même.
Ce concept de trajectoire erratique éclaire ainsi le processus créatif de Manuela Calleguerrero, en soulignant l’événement pictural qui traverse la création de chacune de ses œuvres.
Le mouvement des sportifs dans l’œuvre de Calleguerrero naît comme un prétexte à peindre, pour ensuite devenir l’axe d’un processus transdisciplinaire, où s’entrelacent photographie, graphisme numérique et peinture.
Trajectoire erratique est le résultat d’un processus en plusieurs étapes : à partir d’une photographie, l’artiste élabore une esquisse qu’elle soumet ensuite à des filtres numériques qui mettent en valeur le mouvement lui-même, en exaltant les trajectoires à travers la couleur et la forme. Elle décrit ce processus comme trois œuvres correspondant à une seule image, chacune traitée différemment, chacune esquisse de la suivante. Le but final est d’aboutir à une pièce où la figure se décompose, s’abstrait, et devient mouvement.
Une fusion figure-fond, accompagnée d’une réinterprétation libre de la couleur, propose une relecture de l’image, assimilée par l’artiste et recréée dans une jubilation de couleurs et de formes, inventant un mouvement qui reconnaît la trajectoire erratique qui le compose. Ce que l’œil ne perçoit pas dans la photo ou l’action réelle, la peinture le révèle : une trace de mouvement difficile, voire impossible à saisir autrement. Par ce processus, l’artiste sublime l’apparence de l’invisible.
Mais le dernier « filtre » utilisé est le plus important : celui de son propre regard. L’artiste réinvente l’image en recherchant l’essence du mouvement, exploitant librement les qualités mêmes de la peinture : taches, couleurs, lignes se fondent dans une auto-configuration de l’image, guidée par le hasard. Par moments, elle oublie la figure, la bouscule, la retourne, la redessine, la recompose à partir de ses éléments les plus essentiels, glissant ainsi d’un langage figuratif vers l’abstraction.
L’événement pictural est magnifié dans une dynamique constante entre l’artiste et la figure qu’elle peint — une sorte de danse corps à corps, où surgit ce mouvement qu’elle cherche à capturer. Elle développe ainsi une pratique picturale dynamique, pure et spontanée.
Margarita Posada
Iván Granados Hay
Arbitre Acrylique / panneau 122 x 122 cm 2008Saut Acrylique / panneau 122 x 122 cm 2008Danse bleue Acrylique / panneau 122 x 122 cm 2008En violet Acrylique / panneau 130 x 120 cm 2008En orange Acrylique / panneau 122 x 122 cm 2008Receveur (Catcher) Acrylique / toile 122 x 122 cm 2008Femmes Acrylique / toile 134 x 98 cm 2008Athlète en aigue-marine Acrylique / panneau 60 x 40 cm 2008Athlètes en vert Acrylique / panneau 60 x 40 cm 2008 Athlètes en rouge Acrylique / panneau 60 x 40 cm 2008